Скульптурный симпозиум "Светлые головы" во дворе ТИАМа

С 1 по 7 июля этого года во дворе ТИАМа прошёл скульптурный симпозиум.

Четыре автора – Ольга Хан, Федор Воробьев, Александр Ворохоб, Сергей Соболев – за неделю создали по одной работе на заранее заданную тему – «Светлые головы».

Тем не менее, под «скульптурным симпозиумом» наш музей подразумевает не только и не столько демонстрацию творческого процесса, пресловутой «кухни искусства». Для нас это – приглашение аудитории к разговору о скульптуре как яркой части городской среды и шире – предметного мира.   

Что, собственно, навело нас на мысль провести такой симпозиум? Сегодня пространства Тулы открыты по преимуществу для наследников советской школы монументального искусства либо для туристических «фотозон» и «селфи-форм». Наш проект призван познакомить желающих с другой городской скульптурой (как феноменом современного искусства), расширить контекст восприятия и территорию культурного запроса.

Тема симпозиума, «Светлые головы», допускает самые разные интерпретации и пластические решения. Кроме того, мы уверены, что появившиеся в итоге скульптуры и объекты будут интересно смотреться в любом пространстве – в музейном дворе, городском саду или вестибюле делового центра.

Программа включала дискуссии с художниками, лекции, интервью, итоговое издание.

Искренне благодарим нашего спонсора — Фролина Юрия Владимировича!

СМИ о нас

Итоговые произведения участников:

Работа Сергея Соболева

Работа Сергея Соболева

Работа Александра Ворохоба

Работа Александра Ворохоба

Работа Фёдора Воробьёва

Работа Фёдора Воробьёва

Работа Ольги Хан

Работа Ольги Хан

Программа симпозиума «Светлые головы»,
с 1 по 7 июля 2024 года

2-7 июля, с 14:00 до 22:00

Место: двор ТИАМа

Работа скульпторов во дворе музея, общение со зрителями.

1 июля, 21:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Старт симпозиума, знакомство с участниками, просмотр фильма Такеши Китано «Ахиллес и черепаха» (с комментариями).

Фото Артема Лоскота

2 июля, 21:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Artist talk с участником симпозиума, скульптором Ольгой Хан.

Фото Дениса Бычихина

Фото Артема Лоскота

3 июля, 21:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Artist talk с участником симпозиума, скульптором Сергеем Соболевым.

Фото Дениса Бычихина

Фото Артема Лоскота

4 июля, 17:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Мастер-класс ТИАМа «Композиция №…» для детей, подростков и целых семейных команд; создаём свои проекты городских скульптур.

Фото Анастасии Агафоновой

4 июля, 19:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Встреча-дискуссия «Историческая память в городской среде», модератор – кандидат искусствоведения, историк, социолог, музейный консультант Анатолий Голубовский (за лучший вопрос/реплику участника – подарок из коллекции магазина «Подумать только. Книжный в ТИАМе»).

Фото Дениса Бычихина

5 июля, 21:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Artist talk с участником симпозиума, скульптором Федором Воробьевым.

Фото Дениса Бычихина

6 июля, 19:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Лекция искусствоведа, куратора, заведующей отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи Ирины Горловой «Всякая форма есть мир. О невозможных объектах Вячеслава Колейчука и «другом искусстве» в общественных пространствах» (слушателям лекции – бесплатные билеты на выставку произведений Вячеслава Колейчука в Нимфозориуме).

Фото Дениса Бычихина

7 июля, 21:00

Место: шатёр во дворе ТИАМа

Закрытие симпозиума, подведение итогов, центральный спикер – скульптор Александр Ворохоб.

Фото Дениса Бычихина

Скульптура в городском пространстве: комментарии культуролога Владислава Дегтярёва

Культуролог ТИАМа Владислав Дегтярёв предлагает подумать о теме курьезов в городской скульптуре.

«Что такое курьез? Ответ может зависеть как от внутренних качеств самого предмета, так и от свойств нашего восприятия, обусловленного очень разными вещами.

Французский писатель-сюрреалист Роже Кайуа в 1960-е годы написал замечательную книгу «В глубь фантастического», в которой рассуждал о том, что сюжеты старой живописи зачастую нам совершенно непонятны, поэтому производят странное и фантастическое впечатление. Дело не в том, что художник собирался нас удивить, а в том, что мы выпали из контекста.

Судьба курьезов – точно такая же. В эпоху барокко редкости и диковины, собиравшиеся по всем континентам и оседавшие в кунсткамерах образованных правителей, служили воспроизведением образа мира. Мир нуждался в необычном и неправильном, чтобы установить границы правильного и общепринятого, в конечном счете – границы человеческого. Но время изменилось, и теперь рог единорога и изображения людей с песьими головами могут заинтересовать лишь историка или любителя сказок, а в области серьезного знания им уже нет места (что, вне всякого сомнения, весьма печально).

Если же говорить о скульптуре, то самый яркий и масштабный пример курьеза – неосуществленная статуя Александра Македонского на горе Афон, знаменитой впоследствии своими монастырями. Витрувий рассказывает, что некий архитектор Динократ, пытаясь привлечь внимание Александра, представил ему проект колоссальной статуи, в которую предполагалось превратить большую часть горы. Статуя изображала сидящего человека, лицу которого, естественно, были приданы черты Александра. На коленях же его располагался целый город, который благодетельный деспот оберегал бы своим постоянным присутствием. Здесь не скульптура существовала в городском пространстве, а наоборот, город буквально внедрялся внутрь скульптуры, сметая все границы между «реальностью» и «искусством».
Александр, если верить Витрувию, принял проект благосклонно (кто бы сомневался!), но высказал критические замечания. Он сказал, что город на коленях статуи, сидящей, в свою очередь на горе, не располагал бы полями достаточной для его выживания площади, то есть зависел бы от привозного продовольствия и был бы поэтому слишком уязвим. А так все хорошо, и архитектор молодец. После этого карьера Динократа пошла в гору.

Мораль у этой истории двоякая. Во-первых, что грубая лесть – самая действенная. Во-вторых – что начальство всегда учит нас нашей профессии.

Но довольно морализаторства. Из реально осуществленных скульптур, к идеалу курьеза ближе всего созданный по эскизу Лоренцо Бернини обелиск, стоящий на спине слона. Он находится на площади перед римской церковью Санта-Мария-сопра-Минерва (буквально «Св. Марии над Минервой»).
Видимо, причина курьезного впечатления – слон. Для папы Александра VII и его консультанта, иезуита-энциклопедиста Атаназиуса Кирхера, слон – самое сильное животное, и поэтому как нельзя более серьезен. Но мы уже забыли боевых слонов Ганнибала, переходивших некогда через Альпы, и этот монумент в наших глазах приобретает цирковые, комические ассоциации. Тем более, что и слон получился несколько похожим на поросенка.

Если же вернуться к курьезам как к тому, что было создано ради удивления, то можно вспомнить старинные механические игрушки – от фигурок на Пражских курантах до утки Жака Вокансона, которые, хоть и не были скульптурами в строгом смысле слова, могли определенным образом выстраивать городское пространство (если находились не в помещении). В качестве современного отголоска, а может быть – и продолжения этой славной традиции кинетических объектов, можно назвать кембриджского «Хронофага», точнее – часы, установленные в 2008 году на стене Тэйлоровской библиотеки Колледжа Тела Христова. Они представляют собой позолоченный диск, почти циферблат, но без цифр, на вершине которого сидит, перебирая лапами, жутковатое существо – нечто вроде кузнечика, но с головой то ли дракона, то ли глубоководной рыбы, и это воскрешает наши детские страхи и заставляет лишний раз задуматься о том, куда уходит время, и не съедают ли его такие фантастические твари, прячущиеся у нас за спиной».

Статуя Александра Македонского на горе Афон. Из книги: Johann Bernhard Fischer von Erlach «Entwurff einer historischen Architectur», Leipzig, 1725. Источник: https://archive.org/details/gri_33125008503555/page/n97/mode/2up

«Corpus Clock», часы на стене Тэйлоровской библиотеки Колледжа Тела Христова, Кембридж. Irwin Reynolds at Flickr. Источник: https://www.flickr.com/photos/photo-expressions/

Разговор о современной скульптуре не может обойтись без разговора о классике и модернизме как таковых. Культуролог ТИАМа Владислав Дегтярев предлагает взглянуть на тему с неожиданной стороны.

«Современное искусство, если оно не ангажировано, дезориентирует и ставит неудобные вопросы. Сразу же хочется сказать, что именно поэтому монументальная скульптура пришла в упадок, ведь задача «утверждать» и «воспевать» актуальна только для идеологизированных режимов с их пафосом строительства разных нежизнеспособных вещей. И Альбино Манка, и Вера Мухина сейчас, кажется, невозможны – многочисленные памятники, появившиеся за последние двадцать лет в Москве, доказывают, что вернуться назад, к «большому стилю», не получается.

Впрочем, пафос – вещь странная, его присутствие или отсутствие зависит не от идеологий, а от чего-то другого. Назовем это пока что воздухом эпохи. Вряд ли создателями позолоченного «Прометея» в Рокфеллер-центре или странных крылатых фигур на Гуверовской дамбе руководила идеология, зато пафос там присутствует в избытке. Пафос – чего? Прогресса? Демократии? Преобразования природы? Все эти вещи сейчас представляются нам далеко не однозначными, и вызывающими множество вопросов, так что пафос американских скульпторов 30-х годов выглядит странным и наигранным, вроде радости парада физкультурников на Красной площади. Время-то одно и то же.

Но, если возвращаться к взаимодействию современной скульптуры и современной же архитектуры, все встает на свои места. Классическая фигуративная скульптура, тем более – не рассчитанная на долгое взаимодействие со зрителем, предполагала легкое считывание в общем-то ограниченного количества смыслов. Памятник полководцу не похож на памятник благотворителю, но они выполнены в едином ключе. В XIX веке эта традиция, начатая «Библией для неграмотных» готических соборов, достигает своего апогея. «Тысячелетие России» или памятник Екатерине II – бледные тени лондонского мемориала принца Альберта, украшенного фигурами выдающихся людей едва ли не всех времен и народов. Все это вырождается, с одной стороны, в картинки из учебника, а с другой – в декоративные мотивы, по сути дела, не имеющие содержания. Сфинксы венского Бельведера (хотя это и не XIX век) чисто декоративны, как и большая часть сфинксов в Петербурге. Только в наше время Михаилу Шемякину удалось придать фигурам сфинксов на набережной значимый для культуры смысл.

Традиционная городская скульптура была безошибочным путеводителем в мире смыслов, этаким Бедекером. Другое дело – скульптура современная, особенно лишенная фигуративной изобразительности и поэтому часто дезориентирующая зрителя и прохожего, который ожидает чего-то простого и приятного, как рифма «розы». Абстрактная форма не воспринимается, как «форма как таковая», мы все равно приписываем ей какие-то смыслы, хотя бы сходство с чем-то знакомым, но это действие предполагает активную вовлеченность зрителя, которому уже не удается отделаться простым узнаванием.

Современное искусство в смысловом пространстве находится между загадочным и таинственным. Загадка – то, что подразумевает однозначный ответ, хотя сейчас мы его не знаем. Черная кошка в темной комнате либо есть, либо ее там нет, а третьего не дано. Когда этот ответ слишком прост, мы испытываем вполне объяснимое чувство досады, как советские дети, разгадывавшие в журнале ребус только для того, чтобы узнать, что «пионер – всем ребятам пример» или что-нибудь еще, столь же тривиальное.

Другое дело – тайна, находящаяся за пределами нашего понимания, как сущность Бога в авраамических религиях. На тайну можно только намекать. Смысл нашего существования в этом мире тоже тайна, к пафосу социальности он не сводится, поэтому и не воплощается в правильных и легко узнаваемых формах».

Джон Генри Фоули. Скульптурная группа «Азия», Мемориал принца Альберта, Лондон, 1873. Ingvar at Flickr. Источник: https://www.flickr.com/photos/dese/

Альбино Манка. Воинский мемориал восточного побережья, Нью-Йорк, 1963. topdeluxe at Flickr. Источник: https://www.flickr.com/photos/72004698@N00/

Есть известная легенда о возникновении живописи, которую излагает Плиний в «Естественной истории»: девушка, прощаясь с женихом, уходящим на войну, обводит его тень на стене. Но если мы обратимся к первоисточнику, выяснится, что на самом деле Плиний рассказывает о том, как появилась не живопись, а скульптура. Отец девушки был гончаром, он заполнил контур глиной и получил портретный рельеф.

Только не спрашивайте, как именно ему удалось это сделать. Ясно, что здесь пропущены некоторые логические звенья, и между силуэтом и барельефом – дистанция огромного размера. Но я сейчас не об этом. Культура почему-то отнесла эту сказку к другому виду искусства, считая по-видимому, что из пресловутого подражания природе живопись родиться может, а скульптура – нет. Почему?

Видимо, скульптурная форма имеет какое-то более сложное происхождение. Рассуждая на бытовом уровне, можно сказать, что форма может быть либо антропоморфной (в более широком смысле – биоморфной), либо геометрической. Геометрические формы, применительно к скульптуре, это Платоновы тела, простые многогранники, которым, тем не менее, приписывались не вполне понятные сакральные смыслы. Так, великий астроном Иоганн Кеплер в одной из своих ранних работ («Космографическая тайна», 1596) пытался объяснить строение солнечной системы через Платоновы тела. Получилась, по крайней мере, красивая картинка – что-то вроде схемы устройства китайского шара.

Выходит, геометрические формы связаны с мирозданием как таковым. Но непосредственно с формами нашего тела, тел животных и других природных объектов простые многогранники никак не ассоциируются, поэтому мы воспринимаем их как бесчеловечные и безжизненные. Они недоступны для нашей эмпатии, то есть мы не можем приписать им какой бы то ни было характер или настроение. Они не веселые, не мрачные не задумчивые, и вообще никакие. Тем более, что они еще и лишены масштаба и не соотносятся с нашими размерами и размерами окружающего нас пространства.

Что же касается биоморфных форм, которым можно приписать какие-то эмоции и темпераменты, то и с ними все довольно сложно. Считается, что формы живых существ зависят от их «конструкции» – от скелета (у кого он есть), от расположения внутренних органов, и т. д. Однако шотландский зоолог Д’Арси Томпсон провел в конце 1930-х необычный мысленный (точнее было бы сказать «бумажный») эксперимент: он накладывал на координатную сетку силуэт рыбы или краба, и деформируя эту сетку, получал изображение рыбы или краба другого вида. Выходит, форма автономна от того, чем она заполнена?
В любом случае, абстрактные формы в скульптуре всегда ощущаются как нечто практически живое, как то, чему можно сочувствовать. Художники, разумеется, давно этим пользуются. Так, кто-то из искусствоведов заметил, что знаменитый «Фонтан» Марселя Дюшана своими очертаниями напоминает раннеренессансный бюст, примерно такой, как бюст Ипполиты-Марии Сфорца работы Франческо Лаурана (ок. 1472) – с покатыми плечами, плоским основанием и строго симметричный.

Похоже, человек во всем видит свое отражение, но хорошо ли это? Ницше объявил истину «цепочкой антропоморфизмов», что представляет собой парафраз знаменитого изречения Протагора о человеке как о мере всех вещей. Разница здесь не в оптике, а в том месте, в которое помещает себя говорящий. Опыт же подсказывает нам, что это место подвижно. И, если модернизм декларирует отказ от антропоморфизма, то внимательный наблюдатель может заметить, что вместо отказа происходит в лучшем случае инверсия.

Если Адам был вылеплен из глины, то мы вправе назвать Бога в том числе и скульптором (хотя это определение к Нему почему-то не применяется, чаще говорят об «архитекторе»). Странно, но кажется никто из философствующих анатомов XVIII века не попытался восстановить облик Адама и Евы как идеальных в физическом отношении людей. Но антропоморфная форма не может быть идеальной, в отличие от геометрической. Микеланджело говорил, что идеальную скульптуру можно скатить с горы и от нее не отколется ни одна часть, хотя его «Давид» явно не выдержал бы такого жестокого эксперимента. Вообще, традиция утверждает, что идеальная форма – это шар. Поэтому перволюди в «Пире» Платона оказываются шаровидной формы, но затем боги делят их пополам.

Наверное, это должно привести нас к мысли, что четкой границы между формами живого и неживого не существует. Впрочем, это уже совсем другая история.

 Франческо Лаурана. Бюст Ипполиты-Марии Сфорца («Неаполитанская принцесса»), ок. 1472 г. Источник: https://www.museumconservation.ru/data/donatello/fran..

Схема устройства солнечной системы. Из книги Иоганна Кеплера «Космографическая тайна» (Тюбинген, 1596). Источник: Wikipedia.

Эдуард Вильгельм Даге. Изобретение живописи, 1832. Источник: Wikipedia.

Мишель Фуко в «Словах и вещах» (и это знают даже те, кто не читал Фуко) описывает удивление, которое испытал Жорж Бюффон, натуралист эпохи Просвещения, от чтения сочинений Улисса Альдрованди, натуралиста эпохи барокко. Рассказ о видах и повадках змей у Альдрованди сопровождался рассказом о бытовании змей в культуре – о мифах, с ними связанных, о гербах, где фигурируют змеи, и так далее. Слова и вещи до какого-то момента не были разделены. Описание объекта было одновременно описанием его культурной роли, но если Альдрованди мог сообщить нечто достоверное из области систематики и физиологии пресмыкающихся, то в средневековых бестиариях речь шла исключительно о нравственных и аллегорических смыслах того или иного животного.

Книга природы была именно книгой, которую можно было читать, как написанный на бумаге текст. И этот текст точно так же разделялся на фразы и слова.

Нетривиальный вывод, который из этого следует, говорит об отсутствии грани между человеческим искусством и Божьим творением. «Природа создала один Мир, а Искусство другой», – писал английский писатель-эрудит Томас Браун в своем трактате «Исповедание врача». – «Говоря кратко, все вещи искусственны, так как природа есть искусство Бога».

Мыслители XVII и XVIII веков настойчиво искали в природе прообразы архитектурных форм и иногда находили их. Но, если для того, чтобы увидеть в древесном стволе некую первоформу колонны, особого воображения не нужно, то уподобление готических сводов смыкающимся кронам деревьев – намного менее тривиальный ход.

Здесь еще возникает вопрос о степени законченности этих форм. Колонны моделируются по образцу человеческого тела, но не воспроизводят его (в отличие от атлантов и кариатид). В случае колонны степень домысливания, доработки естественного прообраза человеческим разумом, очень велика. В истории с изобретением коринфской капители – по свидетельству Витрувия, скульптор Каллимах увидел на могиле юной девушки плетеную корзинку, сквозь которую пророс акант – она существенно меньше.

Впрочем, и сама природа не лишена творческих, а то и прямо художественных способностей. Гамлет и Полоний рассматривают облака и находят в них сходство с живыми существами. Леон Баттиста Альберти в трактате «О статуе» предполагает, что причудливые формы древесных стволов или камней могли навести древних людей на мысль создавать такие формы искусственно. Естествоиспытатели эпохи барокко пошли еще дальше – они постоянно находили в природных объектах свидетельства рефлексии, присущей природе. Так, пейзажный агат для них был именно пейзажным изображением, воспроизводящим какие-то узнаваемые природные ландшафты. Огромное число таких нерукотворных картин хранилось в Риме, в музее Атаназиуса Кирхера, и в болонском собрании Альдрованди.

Символическим же завершением традиции поисков искусства в природе стала история, произошедшая в 1725 году в окрестностях Вюрцбурга, где врач и геолог Иоганн Бартоломеус Берингер нашел множество странных камней. На них были видны рельефные изображения не только живых организмов (вплоть до пчелы на цветке), но и комет, и солнца с лучами, и даже букв еврейского алфавита, складывающихся в имя Бога. Берингер счел свои находки подтверждением уже устаревающей точки зрения, согласно которой природа изображает сама себя и окаменелости – вовсе не остатки древних живых существ, а произведения некоей творческой силы, подобные наброскам в блокноте. Берингер даже опубликовал книгу о своих находках, но вскоре выяснилось, что они все изготовлены его недоброжелателями, которых раздражали упрямство и самомнение ученого.

Традиция возведения искусства к природным образцам указывает на некие реди-мейды как на прообразы рукотворных форм. Возможно, мы (и наша культура) не так уж и правы, когда видим в сходстве естественного и искусственного проявления простой случайности.

4.1. Коринфская капитель

Коринфская капитель и ее происхождение. Иллюстрация из книги: Les dix livres d’Architecture de Vitruve, corrigez et traduits nouvellement en François, avec notes & de figures. Paris, 1684. Источник: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/371136

4.2. Камни с неуркотворным изображением

Камни с нерукотворными изображениями небесных светил. Иллюстрация из книги: D. Joannis Bartholomaei Adami Beringer. Lithographiae Wirceburgensis, ducentis lapidum figuratorum, a potiori insectiformium, prodigiosis imaginibus exornatae specimen primum. Francofurti et Lipsiae, 1767. Источник: https://archive.org/details/djoannisbarthol00beri/mode/2up

4.3. Изображения художника-природы

Произведения природы-художника. Иллюстрация из книги: Athanasii Kircheri Fuldensis Buchonii. Ars magna lucis et umbrae. Amstelodami, 1671.Источник: https://archive.org/details/viae001105_to085_cor-26051_0000000/page/709/mode/2up

Говоря о форме, мы обычно противопоставляем ее содержанию, совсем в духе Гегеля. Такой способ рассуждения не может не привести к подозрению, что форма второстепенна и, в общем-то, случайна. Или, по крайней мере, вариативна – как костюм, допускающий всякие вольности.

Если же мы обратимся к Аристотелю, мы увидим не только принципиально иную дихотомию (которую, наверно, помним из курса философии) – формы и материи – но и важное дополнение к самому понятию формы. Аристотель предположил, что должно существовать явление, противоположное форме, и назвал его словом «стерезис», в дословном переводе – «лишенность».

Но лишенность – вовсе не то же самое, что простая бесформенность, эту форму отрицающая. Она связана с возможностью возникновения формы точно так же, как молчание предполагает возможность, даже необходимость слова. Это слово пока не прозвучало, но мы помним, что оно было Богом. Так что стерезис можно считать паузой в производстве (или рождении) форм, и здесь возникают разные параллели и аналогии.

Вот одна из них. Известно, что Казимир Малевич был далеко не первым, кто изобразил черный квадрат. Вообще, история черных квадратов полна великих имен – здесь отметились и Гюстав Доре, и Лоренс Стерн (в «Жизни и мнениях Тристрама Шенди» есть не только черный, но и белый квадрат), но первым был английский мистик и философ-герметист Роберт Фладд. В своей книге «История обоих миров» (1617) он приводит изображение хаоса, предшествующего творению.

Эта иллюстрация представляет собой черный квадрат (мы не ожидали ничего другого, но здесь важны детали) с надписью «И так до бесконечности» по всем четырем сторонам рамки, то есть изображение хаоса кадрировано. Но интереснее другое. Иллюстрации в книгах того времени могли быть только гравюрами, так что квадрат Фладда не залит черной краской, а густо заштрихован. Но между штрихами, как бы плотно они ни ложились, все равно остаются просветы. Получается, что хаос – это не абсолютная тьма и пустота, в нем брезжит возможность творения, то есть возникновения форм.

Получается также, что квадрат Фладда оптимистичен, он изображает начало всего, а квадрат Малевича фиксирует если не конец света, то, по крайней мере, конец визуальности.

Однако эпилог к черному квадрату Фладда был несколько иным: в романе петербургского писателя Наля Подольского «Время культурного бешенства» (2010) фотографы, как раз для того, чтобы предотвратить конец света, пытаются воспроизвести «Черный квадрат», накладывая друг на друга изображения всего, что существует в мире. Их проект не удался, но конец света все же не наступил, в чем мы с вами легко можем убедиться. Формы никуда не исчезли, они умножаются и торжествуют. Во всяком случае, пока.

«И так до бесконечности» («Et sic in infinitum») из книги Роберта Фладда «История двух миров: великого и малого», 1617 г. Источник: https://wellcomecollection.org/works/gbbychu2/images?id=wemaubd2

Казимир Малевич «Черный супрематический квадрат». 1915 г. (Источник: Государственная Третьяковская галерея. Источник: https://my.tretyakov.ru/app/masterpiece/8403

Первоначально скульптура была тесно связана с архитектурой: статуи богов естественным образом располагались в интерьерах храмов, словно у себя дома (ведь храм и был домом божества). Такие статуи были невелики и, главное, не предназначались для рассмотрения с большого расстояния. То есть, как легко предположить, вопрос о выразительности их очертаний даже не вставал перед древними ваятелями. Пока это все трюизмы.

Скульптура, вышедшая из помещения наружу, заставляет нас произнести очередной трюизм: для того, чтобы не теряться на фоне архитектуры и (в идеале) «держать» пространство, ей приходится брать на себя некоторые функции архитектуры. Те же самые требования можно предъявить и к парковой скульптуре, хотя спорить с природным окружением ей не нужно. И там, и там скульптура смешивается до степени неразличимости с архитектурными монументами – такими, как обелиски или ростральные колонны. Можно заметить, что и парковые павильоны, и триумфальные арки, и все прочие парковые затеи, объединяемые в английском обиходе словом follies (то ли причуды, то ли безумства), будучи архитектурой, играют, по сути дела роль скульптуры, так как как собственно архитектурной функции лишены.

В городской среде, особенно в традиционной, скульптура подчеркивает строение пространства – центрирует его или акцентирует направленность ансамбля, раскрытого вовне. В этом смысле идеальный городской монумент – петербургский «Медный всадник», задающий направление взгляда наблюдателя через Неву на Васильевский остров. Примечательно, что его знаменитый постамент в форме волны сам по себе представляет скульптуру, только абстрактную. Конечно, можно сказать, что он связан с барочной скульптурой: так, центральный элемент композиции Фонтана четырех рек на Пьяцца Навона в Риме – искусственный грот, сооруженный Джанлоренцо Бернини (и на этот грот, то есть на пустоту, еще опирается обелиск). Но грот – это каменная пещера, она никуда не направлена и не изображает движения. Так что постамент под статуей Петра Великого не зависит от барочной традиции (в том числе от того же Бернини, блистательно изображавшего в камне лучи и облака), а блистательно ее продолжает.

Мы произнесли слово «обелиск», а это уже архитектурное сооружение, хотя и переходящее временами в скульптуру. Собственно говоря, причиной относить его к архитектуре может служить только его стандартизированная форма – как, например, в случае с колонной, которая, будучи вполне функциональным элементам здания, давным-давно отправилась в самостоятельное путешествие среди пространств и смыслов.

Итак, скульптура, центрирующая пространство и стягивающая его на себя, легко может быть заменена архитектурным сооружением – обелиском, стелой или колонной. Можно вспомнить площадь Восстания в Петербурге (бывшую Знаменскую), где на месте памятника Александру III работы Паоло Трубецкого в позднесоветское время появился обелиск. Стало хуже (из-за весьма среднего качества самого монумента), но все же градостроительной катастрофы не произошло.

Григорий Ревзин в статье «К семантике обелиска» приходит к выводу, что обелиски и/или стелы – не более, чем архитектурные жесты, отмечающие некое место, как более важное, чем соседние. В этой связи стоит задуматься о том, что происходит с измельчавшими обелисками, превратившимися сперва в архитектурный, а затем и в интерьерный декор.

Но если архитектура переходит в скульптуру, то бывает ли обратное? Даже если не принимать в расчет обитаемую скульптуру (которую легче вообразить, чем осуществить, и которая заслуживает отдельного разговора) и некоторых гротескных сооружений, соответствующих определению «здания-утки» у Роберта Вентури, похоже, что архитектурой становится любая статуя, превышающая определенный порог размера – будь то Колосс Родосский (около 36 метров) или Статуя Свободы (46 метров без постамента). Они настолько велики, что сами организуют вокруг себя пространство, отодвигая любую архитектуру на вторые роли. Впрочем, подобные монументы, как правило, находятся вдали от любых построек, ведь представить себе архитектуру, которая могла бы стать фоном для волгоградской «Родины-матери» решительно невозможно. Если, конечно, не считать архитектурой купол неба.

М. В. Добужинский. Памятник Петру // Петербург в двадцать первом году. Рисовал на камне М. Добужинский. Пг., 1923. Источник: https://tehne.com/library/dobuzhinskiy-m-peterburg-v-dvadcat-pervom-godu-petrograd-1923

Колосс Родосский. Из книги: Johann Bernhard Fischer von Erlach «Entwurff einer historischen Architectur», Leipzig, 1725. Источник: https://archive.org/details/gri_33125008503555/page/n78/mode/1up

Участники симпозиума

Александр Ворохоб

Родился в 1974 году в городе Электросталь Московской области. Окончил художественно-графический факультет МПГУ, мастерская скульптуры (1996); аспирантуру в Московском государственном академическом художественном институте им. В.И. Сурикова, мастерская народного художника СССР, вице-президента РАХ, ректора МГАХИ А.А. Бичукова.

Преподаватель скульптуры на кафедре декоративного искусства МПГУ (1996). Член Международного художественного фонда, секция скульптуры (1996). Кандидат педагогических наук, наук, теория и методика преподавания изобразительного искусства (2000). Член секции скульптуры МСХ и ОМС (2003). Заведующий кафедрой декоративно-прикладного искусства МПГУ (2014). Член правления секции скульптуры МСХ и ОМС (с 2020).

Работает в монументальной, монументально-декоративной и станковой скульптуре. Работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Парке искусств «Музеон» (Москва), на острове Итуруп (Сахалинская область), Государственном историческом музее-заповеднике «Горки Ленинские» (Московская область), «Арка искусств МПГУ» (Москва), Историко-архитектурном музее «Палаты Строгановых» (Усолье, Пермский край), Музее «NUS», Национальной галерее Сингапура, Музее Гонконгского университета, Музее Китайского университета в Гонконге, собраниях частных галерей России, Лондона, Амстердама, Парижа, Венеции.

Александр Ворохоб

Федор Воробьев

Родился в 1974 году в Москве. Окончил МСХШ, МГАХИ им. В.И. Сурикова (1999). Член Российского союза художников, член секции скульптуры МСХ и ОМС.

Участник многих российских и международных выставок. Лауреат выставки «Молодые художники России» (2005), диплом Российского союза художников «За вклад в искусство». Автор и создатель скульптурного фонтана у жилого комплекса во 2-м Обыденском переулке (Москва). Работа скульптора — бюст А.С. Попова установлена в здании Министерства связи РФ и Зале славы Международного центра связи, Женева (2006). Автор фонтана у медицинского центра на улице Тимура Фрунзе, Москва (2008). Финалист конкурса на создание памятника «В борьбе против фашизма мы были вместе» на Поклонной горе. Участник итоговой выставки проектов конкурса в Центральном музее Великой Отечественной войны на Поклонной горе (Москва, 2010). Участник симпозиума по деревянной скульптуре в музее-заповеднике «Горки Ленинские» (2014). Участник I Международного конкурса геодизайна «Итуруп Стиль» (2017).

Работы хранятся в частных коллекциях Москвы, Женевы, Лондона, Италии.

Федор Воробьев

Сергей Соболев

Родился в Москве в 1975 году. Окончил Московский академический художественный лицей Московский академический художественный институт имени В.И. Сурикова.

Член секции скульптуры МСХ и ОМС, член Союза дизайнеров Москвы. Скульптор, художник, метадизайнер, архитектор, арт-теоретик, куратор. Руководитель Центра современной скульптуры и дизайна «МЕТАОБЪЕКТ». Являлся руководителем и креативным директором дизайн-студии «Neplosko», студии «MOSSart» и проекта «Неоклассика». Работает в области современной скульптуры, арт-дизайна, концептуальной архитектуры, автор многочисленных скульптур, арт-объектов, артпроектов и дизайн-проектов.

Участник и лауреат множества конкурсов в области скульптуры, дизайна и архитектуры. Участник более 50 тематических и персональных выставочных проектов.

Сергей Соболев

Ольга Хан

Родилась в 1977 году в Москве. Окончила Московский государственный университет сервиса, кафедра изобразительного и прикладного искусства (2000). Член секции скульптуры МСХ и ОМС (2001). Участник московских, российских и международных выставок (с 2000).

Работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, временной экспозиции Политехнического музея на территории ВВЦ, Саратовском государственном художественном музее имени А.Н. Радищева, Тульском историко-архитектурном музее, Музее науки ННГУ «Нижегородская Радиолаборатория», Инновационном культурном центре в Калуге, частных коллекциях в России и за рубежом.

Ольга Хан