Одной из тенденций современной авторской анимации является то, что всё чаще в анимации можно встретить художников, которые являются также и режиссерами своих фильмов. Для них важно не только рассказать историю, но прежде разработать оригинальный самобытный визуальный язык, который в данном случае уже не просто вспомогательный инструмент рассказчика/режиссера, он трансформирует повествование, вдыхая в него визуальное воздействие на зрителя.
Идея выставки — познакомить посетителей с работами самых смелых и самобытных режиссеров-художников отечественной анимации, в чьих работах художественное решение самоценно и является важнейшей частью высказывания.
На выставке мы представляем работы 15 отечественных режиссеров, практически все они художники-постановщики своих фильмов, а во многих случаях и аниматоры.
Фильмы, в нашем случае, не являются главными экспонатами выставки, основная идея — показать дополнительные материалы к фильмам, которые самими по себе вполне могут рассматриваться, как произведения современной графики. Это рабочие материалы, эскизы, раскадровки, кальки, рисунки, созданные в процессе разработки визуального решения фильма и его создания.
Открытие состоялось 15 июня на фестивале авторской анимации «Cartoon’ная ночь».
Художники-постановщики:
2D-компьютер, рисованный, 6’32”, 2014
Аниматоры: Татьяна Яцына, Роман Ефремов, Иван Максимов
Монтаж сцен, заливка: Анна Кадыкова
Музыка: Танго «Пишу тебе…» Дж. Раймондо
Звукорежиссер: Марат Татурас
Фильм снят на средства, собранные в интернете при поддержке PLANETA.RU.
Меценаты фильма: Paolo Polesello, Вадим Богданов, Шульга Лидия, Владимир Долгов
Иван Максимов родился в 1958 году в семье физиков. После окончания Московского физико-технического института работал в научных организациях, совмещая работу инженера, иллюстратора и фотографа. В 1986 году случайно узнал о Высших курсах сценаристов и режиссеров при ВГИКе, куда, к своему удивлению, был принят. За курсовую работу “Слева направо”, снятую на “Союзмультфильме” в 1989 году, получил «Золотого медведя» и «Нику», за дипломный фильм – приз «Фипресси» в Оберхаузене. Его режиссерское и художественное мышление буквально взорвало советскую тогда ещё мультипликацию сюрреалистичными персонажами, которые непредсказуемо двигались, трансформировались, существуя по законам, понятным только автору. Необычные герои и абсурдистское течение фильмов Максимова вызвали восторг не только у жаждавшей перемен молодёжи, но и у мэтров анимации. “Непонятно и смешно”, – отозвался Федор Хитрук о работе Максимова “Болеро”. Важную роль в его фильмах играет взаимодействие персонажей с музыкальным ритмом, которое производит на зрителя гипнотическое впечатление.
Слава Ивана Максимова давно вышла за пределы России, он – один из ярчайших представителей мировой авторской анимации, приметой которой стало совмещение роли художника, режиссера и частично аниматора, а главное – яркий, неповторимый и узнаваемый почерк.
Большинство его работ лишены интриги и конкретного сюжета, он не морализирует и не пытается создать социальную карикатуру. Здесь нет диалогов и содержательных реплик, более того, автор, как правило, не пишет к своим фильмам сценарии. Идеи приходят к нему в ходе создания работы. Его персонажи лишь отчасти антропоморфны, и отчаянно с этой антропоморфностью борются – за право быть уникальными, странными, особенными, даже если это доставляет им дискомфорт и вызывает недоумение окружающих.
Максимов называет анимацию искусством-полиглотом, ведь в ней столько составляющих – идея, графика, движение, музыка, ритм. Ему в этом многообразии комфортно. С 2002 года он не только создаёт фильмы, но и преподаёт режиссуру в анимации.
Фильм “Скамейки №0458”, как часто бывает в работах Максимова, абсурдная история без начала и конца. Фабула вьётся вокруг скамеек условного парка, с которыми так или иначе взаимодействуют персонажи из вселенной автора, в них узнаются характеры и поведение обычных детей и взрослых. Номер 0458 в названии фильма не значит ничего – кроме, пожалуй, того, что такие скамейки и действующие лица могут встретиться где угодно – обычный день в обычном парке. Максимов часто говорит, что его “непонятные” работы со странными названиями – это своего рода пародия на заумные фильмы, претендующие на смысловую многослойность и обилие возможных толкований. Впрочем, объявляя себя вне интеллектуальных и эстетических поисков, художник лукавит. Нестандартная пластика героев Максимова, неожиданные и прихотливые повороты событийного ряда держат зрителя в постоянном напряжении – в состоянии удивления, в стремлении угадать, что будет дальше, собрать структуру из случайностей, происходящих в фильме.
Фильм “Скамейки №0458” знаменателен ещё и тем, что стал первым и успешным опытом автора в краудфандинге, сборе средств на реализацию проекта через Интернет. Более 250 человек, поклонников таланта Максимова, внесли пожертвования на создание этого фильма.
Иван Максимов
“Скамейки № 0458” / «Benches №0458»
Рисованный (тушь, рисовая бумага) 9’57”, 2017
Продюсер: Джен Лиго
Режиссеры: Дмитрий Геллер, Андрей Кулев
Сценаристы: Андрей Кулев, Дмитрий Геллер
Художник-постановщик: Анна Карпова
Композитор: Артем Фадеев
Аниматоры: студенты Jilin Animation Institute
Фильмография Дмитрия Геллера (1970 г.р.) довольно внушительна, как и список призов, полученных на международных фестивалях. Его фильмы – почти всегда поэзия, они немногословны, отдельная роль в них отведена природе, окружающему миру. Своя значимая художественная линия – у музыки и звуков.
Окончив школу в Свердловске, Дмитрий не задумывался о профессии режиссёра анимации. Он был независимым художником, искал свой графический стиль, участвовал в неформальных выставках и первых хеппенингах в родном городе. Но его не покидало ощущение, что плоскости бумаги и возможностей карандаша недостаточно, чтобы выразить то, что бередило воображение.
В 1990 году судьба привела Дмитрия на Свердловскую киностудию “А-Фильм”, куда его приняли в качестве художника-прорисовщика. Именно там, погружаясь в таинство создания мультфильмов, он осознал, что анимация даёт фантастические возможности для реализации замыслов.
В 1997 году он окончил Высшие режиссерские курсы ВГИКа (мастерская Ф.С. Хитрука, Ю.Б. Норштейна, Э.В. Назарова, А.Ю. Хржановского). И с первого же фильма начал экспериментировать с техниками, совмещая рисунок, фотографию, используя компьютерную графику, но сохраняя при этом живые линии графических материалов.
Дмитрий Геллер работает в партнерстве с другим художником – женой Анной Карповой. Сотрудничество связывает их с дебютного фильма “Привет из Кисловодска”, получившего множество наград на международных фестивалях.
В экспозиции представлены рисунки Дмитрия Геллера, которые он создавал в Китае, где сессионно ведёт практические занятия в Jilin Animation Institute (Цзилиньский Институт Анимации). В процессе работы над этими рисунками – тушью на рисовой бумаге – у него возникло желание снять фильм о воде, птицах, пловцах. Всё сложилось в идею, когда в памяти всплыло стихотворение французского поэта Поля Элюара.
Рыба
Рыбы, пловцы, корабли
Меняют облик воды.
Вода тиха, вода шевельнется
Только для тех, кто ее коснется.
Рыба вонзается в воду,
Как палец в перчатку,
Пловец танцует лениво,
И парус вздыхает.
А вода, вода шевельнется
Лишь ради тех, кто ее коснется, —
Ради рыбы, пловца, корабля, —
Она их несет
И уносит.
(1920 г., перевод М. Ваксмахера)
Это стихотворение не стало буквальной основой для сценария и звучит в фильме на китайском языке, без перевода. По словам Дмитрия, на протяжении работы над фильмом, оно служило для него и второго режиссера Андрея Кулева своеобразным камертоном. Они обращались к нему, когда испытывали сомнения, и всякий раз впечатление от текста Элюара подсказывало выбор того или иного художественного или режиссерского решения. Короткие повторения некоторых сцен отбивают внутренний такт фильма, заставляют останавливать поток повествования, повторяя и проговаривая моменты, выражая внутреннее смятение или, наоборот, подчёркивая необратимую решимость героев фильма. Это метод, свойственный не кино, но поэзии. Тем не менее, благодаря ему авторам удалось создать сложную визуальную рифму без прямого использования слов в кадрах.
Для режиссера, который всегда смешивал техники и подходы, фильм стал очередным экспериментом – это первая его работа, созданная, по сути, в технике классической рисованной покадровой анимации. Хотя и здесь Дмитрий привнёс оригинальность – весь фильм нарисован тушью на рисовой бумаге. Фильм снимался на базе Анимационного института в Цзилинь совместно со студентами. На выставке, в том числе, показаны сделанные ими анимационные фазы и рисунки.
Также в экспозиции представлены рисунки художника-постановщика Анны Карповой, разработавшей всех персонажей фильма.
Цитата:
“Работа над каждым новым фильмом для меня – это всегда поиск, внутренний вызов. Если в процессе работы над фильмом я для себя ничего нового не открою, то для меня это потерянное время. Причём на всех уровнях – должна быть совершенно другая тема, другая техника, другая стилистика. Всё должно меняться – и этот вечный поиск и эксперимент – и есть самое ценное в работе.”
Дмитрий Геллер
“Рыбы, пловцы, корабли”
Рисованный (уголь), 12’36”, 2014
Режиссер: Светлана Филиппова
Сценарист: Светлана Филиппова
Художник-постановщик: Светлана Филиппова
Аниматоры: Светлана Зимина, Екатерина Бойкова, Светлана Филиппова, Сара Магамбетова
Звукорежиссер: Артем Фадеев
Продюсер: Любовь Гайдукова
Студия “Шар”
Светлана Филиппова – режиссер анимации, художник, иллюстратор, филолог. Помимо создания анимационных фильмов, она занимается живописью, станковой и книжной графикой, литографией. Участник многочисленных кинофестивалей, художественных и книжных выставок в России и за рубежом. Автор иллюстраций к «Чевенгуру» Андрея Платонова, «Темным аллеям» Ивана Бунина, сказкам Людмилы Улицкой, «Левше» Николая Лескова и др. За иллюстрации к сказкам Людмилы Улицкой получила первую премию Ассоциации художников графических искусств на выставке произведений московских художников книги. За иллюстрации к роману А. Платонова «Чевенгур» – награду «Человек книги» в номинации «Лучший художник» (в рамках ярмарки интеллектуальной литературы Non/fiction). Награждена призами международных фестивалей за анимационные фильмы «Ночь пришла», «Сказка Сары», «Три истории любви», «Брут».
Светлана Филиппова пришла в анимацию из литературы, по первому образованию она – филолог. Уже будучи преподавателем в Алма-Атинском университете, почувствовала, что анимация – это именно то искусство, где можно совместить её страсть к литературе, сочинительству и любовь к рисованию, раскрывая текст совершенно с иной точки зрения – через рисунок и движение. В итоге она отправилась в столицу и закончила Высшие режиссерские курсы при ВГИКе (мастерская Ф.С. Хитрука, Ю.Б. Норштейна, Э.В. Назарова и А.Ю. Хржановского).
Во всех своих фильмах Светлана Филиппова сама является художником-постановщиком. Её работы графичны, а почерк узнаваем. Впрочем, к каждому фильму она подбирает и разрабатывает оригинальную технику. Для фильма «Брут», действие которого происходит в предвоенной нацистской Германии, автор искала визуальное решение, которое позволило бы нетривиально рассказать о том времени, отразить психологическую сложность момента, предчувствие грандиозной человеческой катастрофы – и пропустить всё это через добродушное и непосредственное восприятие главного героя фильма – собаки по имени Брут. После экспериментов с целлулоидом и цветом она остановилась на кальке и угле – монохромных, минималистичных материалах.
Цитата:
«Моей дочери было примерно 11 лет, когда я прочитала ей эту историю. Через год она помогала делать фильм. Перед работой я часто прошу детей нарисовать наброски к тексту. Когда они были маленькими, это помогало по-новому взглянуть на историю, персонажей, композицию.
Для «Брута» нужно было найти простое визуальное решение. Очень долго придумывались главные персонажи. И рисунки дочери очень помогли.
Я попросила дочь почитать режиссерский сценарий и нарисовать по нему несколько сцен. Она взялась и очень быстро нарисовала. Она не училась анимации, рисовала движение интуитивно, но в целом это было интересное решение. Я потом немного поправила, перерисовала своей рукой, чтобы все было в одном стиле. И сцены вошли в фильм».
В фильме очень «мелодичная» анимация. Нарисованные грубой контрастной угольной линией персонажи и предметы легко и плавно движутся, приближаясь и отдаляясь от камеры, меняют свой масштаб, трансформируются. И хотя картина рассказывает, в том числе, об исторических фактах, внимание зрителя фокусируется абсолютно невозможным для художественного кино приёмом.
Цитата:
«Я увидела в воображении сцены, вытекающие одна из другой, когда практически отсутствует монтаж, и один эпизод, цепляясь за какую-то деталь, переходит в другой. Это был способ рассказа без педалирования и без режиссерских акцентов или оценок. Как бы объективный взгляд со стороны. Как бы это могла увидеть собака, например.
Поскольку все проигралось в голове очень быстро, я не все запомнила в деталях. И потом надо было восстанавливать, и вспоминать. Конечно, многое придумалось в процессе работы и обсуждения сцен с аниматорами Екатериной Бойковой и Светланой Зиминой. Мы много спорили, переделывали, и появлялись новые детали».
Светлана Филиппова
“Брут”
Рисованный, 1’15”, 2015 г.
Режиссер: Ирина Рубина
Художник-постановщик: Ирина Рубина
Аниматоры: Ирина Рубина, Кристианэ Гопперт
Оператор: Анне Болик
Компоузинг: Кристианэ Гопперт
Продюсеры: Гайт Аль-Адван, Ирина Рубина
Композитор: Emanuel Hauptmann
Звукорежиссеры: Андреас Пфейффер, Мариус Кирстен
Ирина Рубина родилась в Москве в 1986 году. После школы искала себя в математике и фотографии, но при приближении они оказались для неё не так привлекательны. Однажды Ирина попробовала анимацию и поняла, что это именно та сфера, где она может проявить свою любовь к изображению и музыке. Она поступила в Баден-Вюртембергскую киноакадемию (Германия), в которой царит дух эксперимента, и студенты могут реализовывать практически любые задумки.
Идея создать абстрактный анимационный фильм зрела ещё до академии. Впервые Ирина встретилась с анимацией в знаменитой французской школе Гобелинс (Gobelins), специализирующейся на коммерческих семейных фильмах. Там пришлось рисовать милых смешных зверьков, что не находило отклика в душе художника. Ирина мечтала об авангарде. Однако, получив возможность снять своё анимационное кино в Баден-Вюртембергской киноакадемии, сразу отказаться от фигуративности она не решилась, а попробовала совместить современный танец, авангард и джаз. Сначала была написана музыка, исполненная современным джазовым квинтетом BLOFISH под руководством Эмануэля Хауптманна (Emanuel Hauptmann). Затем Ирина сняла танец-перформанс, поставленный специально для фильма. Но когда она погрузилась в изучение жизни и творчества авангардных художников прошлого века, их идеи так захватили её, что от хореографии реальной танцовщицы в фильме остался лишь лёгкий шлейф вдохновения. В результате одноминутная “Джаз Оргия” – это блестящее драматургическое взаимодействие живописных абстракций и экспрессивной джазовой музыки.
Фильм отсылает к экспериментам в анимации 1920-30-х годов – той самой поры, когда предназначение анимации, как искусства ещё не было определено, и молодые авторы только осмысляли возможности нового медиа. Тогда художники видели в анимации в первую очередь пространство для воплощения визуальных и ритмических изобразительных замыслов. Впрочем, фильм Ирины Рубиной выглядит исключительно современным, ведь она разработала свой художественный метод и нашла особенный подход к сочетанию ритма, цвета и формы.
Цитата:
«Поиск финального визуального решения для этого фильма был длинным путешествием. Да, меня, бесспорно, вдохновили и Фишингер, и Руттман, и Малевич, и Родченко, и Габо, и Оскар Шлеммер и прочие прекрасные художники. А в этот багаж я намешала свои фантазии и определенную абстрактную драматургию, и мое ощущение музыки и движения, и трехмерные элементы – из этого родилась анимация Джаз Оргии. Но отдельным шагом было понять, какие краски, цвета и текстуру она для себя требует. Мы, мой самый верный помощник в этом проекте – Кристиана Гопперт и я, не ожидали, что придется покадрово писать каждый элемент. Но в какой-то момент после недель разных экспериментов с текстурами, оказалось, что этот вариант единственно верный. И тогда мы открыли мастерскую – сеансы цветотерапии – и позвали всех, у кого было хоть чуть-чуть времени и желания рисовать с нами фильм. Без этой помощи мы никогда не успели бы его закончить».
В экспозиции представлен не только готовый фильм «Джаз Оргия», но и танец, с которого началась работа над ним. Специально для выставки Ирина Рубина создала короткое произведение с использованием кадров хореографии и анимационных элементов. Также в экспозиции представлены рисунки анимационных фаз, выполненные акрилом на бумаге – это лишь малая часть кадров, собранных впоследствии в фильм.
Ирина Рубина
“Джаз Оргия”
Стоп-моушн, компьютерная перекладка, 7′40″, 2016
Режиссер: Анжелла Липская
Сценарист: Анжелла Липская
Художник-постановщик: Анжелла Липская
Аниматор: Анжелла Липская
Школа-студия «ШАР»
Анжелла Липская училась в легендарном Московском художественном академическом лицее (бывшая МСХШ), потом во ВГИКе и Московском полиграфическом институте. Пробовала разные профессии, связанные с искусством и дизайном. С 2011 года появилась возможность продолжить обучение режиссуре анимации в Школе-студии «ШАР».
Все фильмы Анжеллы Липской авторские и независимые, снятые без назидания продюсеров и чьей-либо финансовой поддержки. И все они были созданы автором самостоятельно — от роли художника-постановщика до работы композитора и аниматора. Фильм, представленный в экспозиции, — дипломная работа в Школе-студии «ШАР». Руководителем-наставником фильма стал Иван Максимов, который поддержал идею Анжеллы и, что было для нее особенно важным, дал ей полную свободу.
Фильм самобытен, автора ни в коей мере нельзя упрекнуть в попадании под влияние преподавателей или других авторов, что часто случается со студентами. Более того, настоящим сюрпризом является то, что фильм в коллажной технике, с использованием собственных фотографий и изображений, найденных в интернете, цитат из знаменитых фильмов, создан на базе российского учебного заведения. Картина не имеет чёткой сюжетной линии; абсурдный юмор, неожиданные взаимодействия персонажей — всё это делает картину особенной. Недаром фильм отмечен разными наградами на международных фестивалях, в том числе отечественных.
Анжелла Липская
“Окна”
2D-компьютер, бумажная перекладка, stop-motion 15’, 2011
Режиссер: Наталья Рысс
Сценарист: Наталья Рысс
Художник-постановщик: Наталья Рысс
Аниматор: Наталья Рысс
Оператор: Наталья Рысс
Продюсер: Наталья Рысс
Композитор: Дмитрий Милованов
Звукорежиссер: Дмитрий Милованов
Наталья Рысс – режиссер, художник, аниматор и сценарист. Родилась в Ростове-на-Дону. В 11 лет возникла идея рисовать мультфильмы, от которой она уже не отступала.
Окончив Ростовское художественное училище им. М.Б. Грекова (дизайнерское отделение) и ВГИК (художественный факультет, специальность – художник-постановщик анимационного фильма) к настоящему моменту Наталья Рысс сняла около 12 анимационных фильмов, как независимых, так и в сотрудничестве с различными московскими студиями. Эстетические взгляды автора сформировались под влиянием немецкого экспрессионизма и американского абстрактного экспрессионизма, русского авангарда и, в частности, супрематизма. В перерывах между съёмками фильмов Наталья создает графические работы, участвует в выставках.
Почти все свои фильмы Наталья Рысс снимает самостоятельно. Это часто позволяет исключать те этапы процесса, которые необходимы при работе в коллективе – создание детальных раскадровок, подробной черновой анимации, распределение задач и контроль. И, что важно, этот подход оставляет возможности для импровизации. Компьютер, разносторонность, талант и усердие помогают добиться нужного результата.
Фильм “Ицихитананцу”, представленный на выставке, был снят за полтора года. Самым сложным для автора стали поиск персонажей, стилистики, создание визуальной атмосферы фильма, погружение в материал. После того, как сценические решения были найдены, работа по анимации и монтажу шла легко.
В своем фильме Наталья Рысс обращается к мадагаскарскому фольклору. В основе сюжета сказка “Ицихитананцу, или Мальчик-чудовище, и глиняная кукла, вымазанная клеем”. История, изложенная автором с помощью анимации, предлагает зрителю новый финал и абсолютно иную актуальную трактовку. Чудовище-людоед не просто побеждён. Селяне продают его морякам, и оборотень оказывается в самом центре цивилизованного мира – в Париже конца 19 – начала 20 веков…
Помимо нетрадиционной структуры повествования, экспрессивного ритмичного монтажа, фильм привлекает внимание авторской техникой – фрагменты журналов и газет, из которых составлены динамичные композиции, усиливают драматургическое звучание фильма, новым неожиданным приёмом создают атмосферу, свойственную немецкому экспрессионизму. Не только персонажи, но и окружающий их мир находятся в постоянной динамике. В кадре нет статичного плана и приоритета персонажа над фоном – они равные визуальные единицы, фильм словно снят “с руки” дрожащей камерой. Сложную и оригинальную технику автор разработала самостоятельно, обрывки настоящих газет и журналов были собраны в композиции и анимированы при помощи компьютера. Эффекты скачков, смены резкости, сдвиги кадра – это результат кропотливой работы и особая заслуга Натальи Рысс в качестве монтажера и режиссера, поскольку даже на компьютере они фактически создавались вручную, подчиняясь внутреннему ритму автора. Тонкая работа композитора Дмитрия Милованова усиливает экспрессию и драматизм событий, подчеркивает динамику повествования.
Наталья Рысс
“Ицихитананцу”
Перекладка, 4’04”, 2014
Режиссер: Константин Бриллиантов
Сценарист: Константин Бриллиантов
Художник-постановщик: Константин Бриллиантов
Аниматоры: Ксения Чиганчикова, Галина Белинская, Ольга Симонова
Звукорежиссер: Артем Фадеев
Продюсер: Любовь Гайдукова
Школа-Студия «Шар»
Константин Бриллиантов родился в 1985 году в селе Дивное Ставропольского края, почти сразу после его рождения семья переехала в Москву.
Ещё школьником Константину посчастливилось посещать занятия в детской анимационной студии при ВГИКе, где он встретил замечательных педагогов-мастеров, и с энтузиазмом погрузился в увлекательный мир этого искусства. Поэтому вопрос выбора профессии перед ним не стоял. Но прежде чем поступить во ВГИК, Константин решил развить свои художественные навыки в Московском государственном академическом художественном училище памяти 1905 года. Там он серьёзно увлёкся живописью, много путешествовал с этюдником за спиной и мысли об анимации постепенно тускнели. Пока приятель не пригласил его на свой дипломный анимационный фильм в качестве художника-постановщика. Былая страсть вспыхнула новыми красками, и анимация снова вернулась в жизнь Бриллиантова, а Школа-Студия «Шар» стала для него новым домом – здесь в 2012 году он получил диплом по специальности режиссер анимационного кино.
Несмотря на то, что Бриллиантов имеет и режиссерское, и художественное образование, он не считает умение рисовать необходимым качеством в профессии режиссера анимационного фильма, и на некоторых проектах работает с приглашенными художниками. Важнее для него чувство вкуса и юмора.
В фильме «НАНА, НАНИ, НАО» Константин Бриллиантов выступил в ролях режиссера, сценариста и художника-постановщика.
Цитата:
«Меня всегда вдохновлял художественный поиск, и в этот поиск я вовсю пустился в фильме «НАНА, НАНИ, НАО». Я чувствовал себя маленькой рыбкой, беспомощно барахтающейся в океане вариантов и возможностей. Одной из главных задач для меня было максимально ограничить себя в средствах и в самой истории, и в изобразительном решении, но при этом создать выразительную минималистичную картинку. Я экспериментировал и с живописью на стекле и с ручной перекладкой, пока, в ожидании оператора прыгая с осветительными приборами вокруг анимационного станка, не попробовал подсветить перекладку снизу, – она сразу перестала быть плоской и засветилась, а лишние детали ушли! Оставалось только придумать реалистичный эффект воды, но вместе с тем простой и не лобовой. И здесь мне помогла рисовая бумага, которая сочетала в себе необходимую фактуру и прозрачность. Места перекладки, где бумага прилегала плотно, видно было четко, а там, где она немного отходила, создавался эффект размытия, в движении же все это превращалось в довольно реалистичную вибрацию воды! Ох, сколько же хлопот я доставил аниматорам своим новаторством».
В экспозиции представлены эскизы к фильму, а также объекты, созданные и использованные в процессе съёмок.
Константин Бриллиантов
“НАНА, НАНИ, НАО”
2D-компьютер, 5’18”, 2016
Режиссер: Евгений Стрелков
Сценаристы: Евгений Стрелков, Эдуард Абубакиров, Вадим Филиппов
Художник-постановщик: Евгений Стрелков
Аниматоры: Дмитрий Хазан, Евгений Стрелков
Композитор: Марк Булошников
Звукорежиссер: Ирина Фельдман
Текст читает: Лев Харламов
Евгений Стрелков родился в 1963 году на Урале, жил в Сибири, потом на Оке и, наконец, с 1980 года на Волге, в Нижнем Новгороде, тогда – городе Горьком. Он окончил радиофизический факультет Горьковского госуниверситета, стал молодым учёным-геофизиком, но уже с начала 1990-х больше, чем наукой, занимался графическим дизайном, а потом и современной художественной графикой, прежде всего в жанре «книги художника». Любопытно, что, уйдя в эти годы из науки, он спустя семнадцать лет парадоксальным образом снова к ней вернулся – но уже в качестве популяризатора. Для экспозиций научно-технических музеев в Москве, Нижнем Новгороде, Самаре, а также для временных научно-популярных выставок потребовались анимационные ролики – так Евгений Стрелков занялся анимационной режиссурой. Вскоре у него зародилась идея серии черно-белых анимационных фильмов-памфлетов о наполовину выдуманных поволжских естествоиспытателях, революционерах, инженерах и мечтателях. В основу серии легли тексты книги «Ниже Нижнего», написанной Евгением в соавторстве с нижегородцами Эдуардом Абубакировым и Вадимом Филипповым. Фильм «Невольный Прометей» – пятый в серии, он был снят в 2016 году и показан на Открытом анимационном фестивале в Суздале, фестивале Бессонница, а также на выставках и показах в городах Поволжья, в Кирове, Ижевске, Перми, Красноярске и Туле.
Фильм рассказывает о деятельности инженера-ракетчика Ильи Страфиевского, методично воплощавшего юношескую мечту – организовать полёт к Марсу. В характере вымышленного героя порой проступают черты (а также отдельные факты биографии) реального космического мечтателя – Константина Циолковского. В визуальной ткани картины использована графика из книг футуристов и заумников: Велимира Хлебникова, Игоря Терентьева, Ильи Зданевича. Несмотря на абсурдистский тон, в фильме сквозит восхищение смелостью и упорством первооткрывателей как в науке, так и в искусстве.
К фильму была сделана малотиражная (15 экземпляров) книга художника «Каналы Марса». В картонную папку вложены отпечатанные в технике шелкографии карты-таблицы, якобы послужившие юному Илье Страфиевскому самодельным пособием для наблюдения марсианских каналов. В графике книги использованы зарисовки астрономов 19 века, хотя эта архивная картография сильно утрирована, так что вязь каналов напоминает порой рисунок нейронной сети или визуализацию многоуровневой логической задачи. Как и во многих других своих проектах, Евгений Стрелков играет здесь с морфологией и семантикой инженерного рисунка, обильно вводя в произведения шкалы и таблицы, графы и проекции, окуляры и циферблаты. При этом вся эта наукообразная номенклатура подается исключительно с эстетической позиции. Нагромождение визуального материала, декларируемый произвол его отбора при одновременном следовании скрытым кодам и формальным правилам – все это, по мнению художника, обладает ценностью, вызывает эмоцию и способно порождать смыслы.
Евгений Стрелков
“Невольный Прометей”
2D-компьютер, рисованный, коллаж, 6’29”, 2016
Режиссер: Саша Свирский
Сценарист: Саша Свирский
Художник: Саша Свирский
Аниматор: Саша Свирский
Композитор: Алексей Просвирнин
Звукорежиссер: Алексей Алексей Просвирнин
Текст читает: Алексей Просвирнин
Продюсер, ассистент: Надежда Свирская
Саша Свирский родился в 1980 году в посёлке Советское Руно Ставропольского края. С раннего детства практически безостановочно рисовал. Мысленно перебрав все возможные профессии – от хирурга до священника, с удивлением узнал, что художник – это тоже профессия, и поступил в Ростовское художественное училище им. М.Б. Грекова на отделение живописи. Удостоился нескольких персональных выставок живописи, но всегда тянулся к графике и сочинительству. К своим рисункам придумывал подписи, короткие сюжеты. В 2000 году нарисовал свою первую книгу, и уже не останавливался, работая над созданием новых. В 2005-2007 годах участвовал в выставках объединения “Книга художника”. Параллельно самостоятельно освоил компьютерные программы по созданию анимации и в 2007 году нарисовал свой первый мультфильм, который выложил в Интернет. Анимация стала тем идеальным медиумом, который вобрал в себя все увлечения Свирского – рисунок, сочинительство, режиссуру, ритм. Для него оказалось важным, что в отличие от рисунков на бумаге, анимацию гораздо проще хранить и распространять. Продолжая жить в далёкой провинции, автор создавал независимые анимационные фильмы, выкладывал их на специализированные сайты, там же знакомился с коллегами, единомышленниками, любителями анимации.
В 2013 году Свирский переехал в Москву, где продолжает снимать авторские фильмы, анимационные видеоклипы. В работе для него важно расширение границ анимации, графики, собственных возможностей. Сознательно избегая условностей режиссерского подхода, автор старается не сковывать в себе художника, не думая об удобоваримости фильмов, умышленно уходит от законов анимации Диснея, которыми по сей день руководствуются многие авторы.
Радикальная эстетика Свирского – это синтез художественных приёмов, автор выносит на зрителя шквал образов, ассоциаций, символов, которые далеко не всегда возможно считать с первого просмотра. На фестивалях его фильмы часто относят в специальные разделы – программы экспериментальной анимации и фильмы для любителей искусства.
Все свои фильмы Свирский снимает самостоятельно, периодически обращаясь за помощью только к композитору и звукорежиссеру.
«9 способов нарисовать человека» — это короткие и неожиданные графические новеллы, стилистически отсылающие к дадаизму. Изображение человека — одна из главных и, пожалуй, наиболее обширных тем в искусстве. Меняются каноны, материалы, техники, но по-прежнему художники находят новые причины и способы изобразить человека. Невозможно представить такое исследование, которое бы полностью охватило эту тему. Но фильм Саши Свирского на это и не претендует. С невероятным динамизмом автор приглашает зрителя в экспрессивный мир абстракции, коллажа, рисованной анимации, абсурдистского юмора.
Саша Свирский
“9 способов нарисовать человека”
Рисованный, 3’19”, 2007
Режиссер: Борис Казаков
Художник: Борис Казаков
Музыка: Виктор Цой
Борис Казаков родился в 1964 году в Ленинграде. После школы получил образование инженера на Заводе-ВТУЗ. В 1988-1990 годы занялся живописью и выставлялся с группой “Старый город”. Присоединившись к неформальному ультраавангардному объединению “Параллельное кино”, создал свой первый фильм “Птенцы моря” в технике бескамерной анимации – делая рисунки поверх изображения на кинопленке. Хулиганское сочетание динамичной, комичной анимации и архивных черно-белых хроник быстро привлекло внимание к работам автора. Картина участвовала в международных фестивалях и была отмечена дипломом жюри в Оберхаузене-98. Следующий фильм Казакова “Колы” стал стилистическим продолжением первого фильма, но уже имел определенную смысловую структуру, не лишённую юмора. Неудивительно, что фильм попал на конкурс Берлинского фестиваля, в программы других важных международных смотров, был удостоен Гран-при фестиваля “Киношок”. В 2000 году фильмы “Птенцы моря” и “Колы” были приобретены Музеем Кино в Амстердаме.
Казаков продолжил экспериментировать, им были сняты новые фильмы в технике бескамерной анимации и в технике, приближенной к классической рисованной анимации, с той лишь оговоркой, что профессионально он это искусство не изучал и всякий раз изобретал собственный метод съёмок.
Несмотря на успех фильмов, для художника Казакова анимация не является основной деятельностью. Это лишь один из инструментов, к которому он периодически обращается. Автор убеждён, что анимация, мультимедийные технологии должны преподаваться в художественных учебных заведениях, поскольку сегодня владение компьютерной графикой, умение оживлять рисунок, использовать технические возможности компьютера в работе, не менее важны для художника, чем владение кистью или любыми другими изобразительными материалами.
Фильм “Саша” был снят как эпизод фильма-концерта “Просто хочешь ты знать” (2006) режиссера Олега Флянгольца. Для фильма Казаков нарисовал анимационные вставки, а также стал режиссером и художником эпизода – музыкального видео на песню “Саша”. Покадровая анимация, в стилистике рисунков Виктора Цоя, выполнена фломастерами и ручками на маленьких канцелярских бумажках для записей. Клип сразу приглянулся поклонникам Виктора Цоя и анимации, и был многократно процитирован в Интернете как самостоятельная работа.
В работе над фильмом автору в качестве аниматора и заливщика помогала жена и коллега – художник Марина Алексеева.
Борис Казаков
“Саша”
Рисованный, 5’06», 2015
Режиссер: Надежда Федотова
Сценарист: Надежда Федотова
Художник-постановщик: Надежда Федотова
Аниматор: Надежда Федотова
Композиторы: Teiji Ito, Александр Скрябин
Надежда Федотова родилась в 1992 году в Москве, но в первый класс пошла уже в городе Сочи. Там же, на берегу моря, посещала художественную школу. Об анимации даже не думала, мечтала стать живописцем. Закончив 9 классов, вернулась в Москву, чтобы поступить в Московское академическое художественное училище памяти 1905 года, но к великому сожалению Надежды она не прошла вступительные испытания. Пришлось перебирать варианты, и оказалось, что специальность «Живопись» есть в колледже при ВГИКе, куда она и поступила. Довольно быстро обнаружилось, что там учат художников-аниматоров, разочарование постепенно сменилось заинтересованностью, а вскоре эта профессия и вовсе увлекла так, что после окончания Надежда поступила во ВГИК на факультет анимации и мультимедиа в мастерскую Валентина Ольшванга.
Фильм «Боль» – курсовая работа. Когда начинающий режиссер приступала к съёмкам фильма, ни сценария, ни определенной сюжетной канвы у неё не было. Была идея снять фильм про свою склонность к ипохондрии, представить это состояние визуально, с помощью графики, без слов, показать внутреннее состояние героини, которая подозревает в себе различные болезни и фигурально разваливается на части. Надежда рисовала всю анимацию сама, поэтому необходимости в сценарии и подробных раскадровках у неё не было. Она начала развивать действие от образа найденного персонажа – меланхоличной девушки, нарисованной тонкой линией шариковой ручки. Пластика героини, её образ и характер диктовали свою историю. В итоге в фильме появился мужчина, и сюжет выстроился совсем иначе, нежели представлялось режиссеру в начале. Фильм получился не столько про ипохондрика, сколько про отношения, сложность взаимопонимания и, в общем-то, про любовь.
В этом фильме Надежда Федотова выступила в качестве художника, аниматора и режиссера. Вопрос выбора техники для неё не стоял – как страстному рисовальщику ей важно чувствовать живой материал, работать руками – фильм нарисован на кальке шариковой ручкой.
В экспозиции представлены наброски и анимационные фазы, вошедшие в фильм.
Надя Федотова
“Боль”
Серия перформансов, инсталляций, анимационный фильм, 2003–2006
при участии Ольги Хан
Графика и анимация: Андрей Суздалев
Музыка: Geez ‘n’ Gosh
Буквы: Юрий Гордон
Андрей Суздалев родился в 1973 году в Москве. В 1989–1992 учился в Московском театральном художественно-техническом училище. В 1995 окончил Московскую школу современного искусства «Свободные мастерские» (теория и практика современного искусства). Области его деятельности — это компьютерная анимация, объекты, инсталляция, графика, книга художника. Также он выступал в качестве куратора ряда выставочных проектов. Занимается преподавательской деятельностью. С 2005 года руководит мастерской «Движущиеся картинки» при Государственном центре современного искусства. Живёт и работает в Москве.
К анимации Андрей Суздалев пришёл самостоятельно. Талантливый график, однажды он захотел, чтобы его рисунок обрёл движение. Тогда приятель поделился с ним компьютерной программой для создания анимации, и Андрей начал делать свой первый фильм «Фигуры прилива» (2004). В процессе создания кино художник освоил компьютерную программу, и именно этот метод он рекомендует сейчас своим ученикам — познавать технические аспекты не в теории, а непосредственно в процессе достижения поставленной художественной задачи.
Впрочем, сам художник сознательно отстраняется от терминов анимации и режиссуры в классическом понимании этих слов. При создании фильмов его интересует в первую очередь реализация идей путём графической выразительности. В его фильмах нет симуляции актёрской игры, эмоций, традиционных анимационных приёмов. Для своей деятельности в поле анимации он придумал нейтральный термин — «движущиеся картинки», подчёркивая таким образом исключительно изобразительный подход к фильмам. Однако если взглянуть на современную мировую анимацию, такой подход сегодня набирает всё большее количество сторонников, бесконечно расширяя горизонты современного кинематографа и размывая границы между анимацией и медиаискусством.
В 2005 году по приглашению Государственного центра современного искусства в Москве Андрей Суздалев основал мастерскую «Движущиеся картинки», где по сей день обучает детей анимационным технологиям с погружением в историю мирового и современного искусства.
О фильме: образ «Перевозчиков» возник от бытовой пиктограммы, размещенной на коробке от холодильника «Минск». Тогда Андрею Суздалеву понравилась картинка, изображающая двух грузчиков в процессе работы, — художник увидел в ней гораздо больше смыслов, чем предполагал знак на упаковочной таре. Он вырезал её и повесил на стену. В 2003 году на Соловках в рамках фестиваля «АртАнгар» Андрей Суздалев совместно с Ольгой Хан сделали первый перформанс «Перевозчики». Надев белые комбинезоны и каски, художники метафорически представили древнегреческого Харона в образе Перевозчиков на берегу Белого моря.
Далее творческий дуэт продолжил исследование темы «Перевозчиков» в серии перформансов и инсталляций в разных городах и пространствах современного искусства, все они развивали тему пограничного между «живым» и «неживым» — Перевозчиков, которые помогают заблудшим душам найти свой берег.
Фильм «Перевозчики» стал итогом серии данных художественных исследований. Так или иначе в фильме сняты объекты и предметы, зарисовки, использованные в предыдущих перформансах и инсталляциях проекта.
В 2006 году фильм «Перевозчики» стал победителем Международного фестиваля цифрового кино IZOLENTA (г. Санкт-Петербург) в номинации «Анимация».
Андрей Суздалев
”Перевозчики”
2D-компьютер, рисованный, 2’52”, 2011
Мультипликатор, аниматор, заливка, монтаж, сценарий и режиссёр: Артём Лоскот
Слова и музыка: Илья Лагутенко / Мумий Тролль
Техническое продюссирование: Илья Лагутенко.
Артём Лоскот родился и вырос в Крыму, в маленьком приморском городке Судак. Ещё до школы Артём определил себя, как зоолог-любитель и активно изучал богатую Крымскую фауну. В младших классах погрузился в мир энтомологии, в средних увлёкся палеонтологией, а в старших в список приоритетов добавилась уфология и конспирология, что нашло отражение в его эволюции как художника.
С первого по одиннадцатый класс Артём играл в труппе школьного театра «Ника», и по сей день руководимого его мамой – Людмилой Николаевной, а также постигал квантовую механику, любовь к которой пытался привить ему отец – Николай Иванович.
Окончив школу, Артём переехал в Тулу, где поступил на факультет психологии в ТГПУ им. Л. Н. Толстого. Отучившись пять лет в университете и проработав ещё пять лет на кафедре социальной педагогики под руководством Владимира Андреевича Фокина, в 2010 году Артём понял, что пора возвращаться к тому, что всегда было по-настоящему для него важным – искусству и творчеству.
Лоскот пробовал себя в написании сценариев, режиссуре, операторской работе, видеомонтаже, оформлении музыкальных шоу, иллюстрировании книг, сочинении стихов, песен, музыки, создании собственной рок-группы и авторского комикса. В списке людей и коллективов, с которыми Артём уже успел найти точки творческого соприкосновения – Илья Лагутенко и группа «Мумий Тролль», Максим Покровский и группа «Ногу Свело!», финский режиссёр Бъёрн Тагемозе, московский режиссёр Гарольд Стрелков, бельгийские фотохудожники братья Лерой, спортивный клуб «Арсенал», издательство «Ясная Поляна», рок-группы «Aeronautika», «Птица Зу», «Продолжаем?!» и многие другие.
Новый этапом в жизни Артёма стал Тульский историко-архитектурный музей, в стенах которого он нашёл работу по сердцу и друзей.
Клип «Лепесточки» – первый опыт Артёма Лоскота в анимации. От начала и до конца он самостоятельно создавал этот мультфильм, творческий процесс занял два трудных года. Персонажи, созданные художником, должны были перекочевать в полнометражный художественный фильм, главными героями которого были музыканты группы «Мумий Тролль». Съёмочная экспедиция, в состав которой входил и Артём, в 2011 году отправилась в Петропавловск-Камчатский, и в течение недели участники экспедиции летали на вертолётах в засекреченные при Советском Союзе и заброшенные после его распада военные городки, плавали на надувных «моторках» вокруг местных прибрежных скал и устраивали живые концерты в жерле вулкана Авача. Но, по прибытии в Москву выяснилось, что подавляющее количество отснятого материала (на тот момент в единственном экземпляре хранившегося на жёстких дисках) пропало (украдено?) во время перелёта. Таким образом, от проекта, включавшего в себя художественный фильм, мюзикл и анимацию сегодня для зрителя сохранились всего несколько клипов группы (собранные из остатков отснятого), фото, вошедшие в оформление последующих релизов альбомов и «Лепесточки» – эпизод из жизни придуманных Лоскотом мульт-героев фильма.
Мультфильм «Лепесточки» снят приёмом «длинного кадра», который широко использовали Стенли Кубрик, Андрей Тарковский и Дэвид Линч, и задолго до «Олдбоя», «Бёрдмена» и «Настоящего детектива «.
Песня, написанная Ильёй Лагутенко, до того, как обзавелась аутентичными персонажами, уже звучала в финальных титрах другого произведения – полнометражного анимационного мультфильма «Незнайка и Баррабасс», выпущенного кинокомпанией «Центр Национального Фильма» по заказу ОАО «Первый канал» и повествующего о приключениях Незнайки, авторства Анны Хвольсон (Носов был не первым, да), которая, в свою очередь, вдохновлялась «архаичными» комиксами канадца Палмера Кокса, творившего в 19 веке. Его вымышленные герои были цивилизацией домовых, по-английски звучащей, как «Брауни». Фирма Кодак одну из первых переносных фотокамер назвала «Kodak Brownie» именно из-за небывалой популярности на то время персонажей Кокса. Так что темы фото, видео и фантастических лилипутов идут бок о бок уже третье столетие.
Артём Лоскот
“Лепесточки”
Проект Пирожки: Возьми любой момент из детства
Смешанная техника, 6’20”, 2017
Авторы: Андрей Бахурин, Наталья Мирзоян, Иван Максимов, Игорь Мельников, Карина Чиркина, Марина Карпова, Ашот Мефодин
Проект Пирожки: Старушка-жизнь vs Старушка-смерть
Смешанная техника, 9’23”, 2018
Авторы: Екатерина Милославская, Иван Максимов, Ашот Мефодин, Наталья Грофпель, Е. Надточей, Игорь Мельников, Андрей Бахурин, Мария Якушина, Наташа Данилевская, Саша Веселов.
Экспресс «ЗИПУНЫ-ГАВАНА»
Смешанная техника, 2’, 2017
Авторы: Елена Жиркова, Анна Евменова, Кира Петухова, Ашот Мефодин, Валентина Коновалова, Мария Савельева, Анастасия Батищева
Студенческий альманах, созданный студентами школы Ивана Максимова PiterMultArt.
Анимационные «джемы» – фильмы, в создании которых принимают участие разные авторы, стали довольно популярным явлением в современной авторской анимации. Это привлекательный формат для студентов, когда собственный фильм пока ещё сложная задача, и для профессионалов, которым нравится идея фильма-игры с коллегами, где результат является сюрпризом не только для зрителей, но и для участников. Каждый эпизод в «джеме» автор делает в своей стилистике и технике, которые объединяются музыкой, как в «Экспресс «ЗИПУНЫ-ГАВАНА», или единой темой, как в проекте «Пирожки». Иногда количество участников в «джемах» это несколько человек, а иногда несколько десятков режиссёров, в том числе, из разных стран. Основная идея «джемов» – это демократичность и импровизация – здесь нет главного режиссера, каждый участник отвечает лишь за свой эпизод, работа над эпизодом не отнимает слишком много времени и позволяет увидеть себя в контексте визуальных и режиссерских идей коллег.
Проект Пирожки – инициатива группы российских режиссеров анимации, посвящённый одному из жанров современной сетевой поэзии, который так и называется – пирожки. Эти четырехстрочные стихи, без рифмы, без знаков препинания, без заглавных букв, но определенного ритма и размера, появились в 2004 году в маленьком закрытом сообществе поэтов-выходцев из хокку.ру. Сегодня этот вид микропоэзии можно встретить не только в сети, но и в книжных магазинах – в сборниках и книгах отдельных авторов. «Пирожки» отличает ирония, парадоксальность, юмор, а литературоведы видят в жанре преемственность поэзии ОБЭРИУТов. Каждый выпуск анимационного альманаха – это несколько коротких мультфильмов разных авторов, объединённых одной темой. Режиссёры сами выбирают понравившийся «пирожок» и пытаются интерпретировать его средствами анимации.
Во всех трёх представленных в экспозиции «джемах» принял участие тульский автор Ашот Мефодин. Ашот родился в Туле в 1988 году, окончил Тульский государственный университет по специальности Графический дизайн. В 2015 году поступил в школу анимационной режиссуры Ивана Максимова ПитерМультАрт. В настоящее время Ашот работает, как иллюстратор, художник, занимается анимацией для театра и росписью стен, а также работает над собственным авторским анимационным фильмом.
Ашот Мефодин
Рисованный, 5’41”, 2012
Студия “Пчела”
Режиссер, сценарист, художник-постановщик: Наталья Чернышева
Продюсер Владимир Гассиев
Композитор Александр Бабин
Роли озвучивали: Федор Колмогоров, Егор Петров
Наталья Чернышева родилась в 1984 году в Свердловске, в городе, который вот уже на протяжении нескольких десятков лет является центром уральской анимации. Немало выдающихся режиссеров и художников сформировалось в этой небольшой и талантливой анимационной среде. Одним из ярких представителей молодого поколения уральской школы стала Наталья Чернышева.
Окончив в 2010 году Уральскую государственную академию архитектуры и искусства по специальности «графика и анимация», Наталья поступила в легендарную французскую школу La Poudrière, где сняла два фильма: полутораминутный интернет-хит «Возвращение» (Le Retour, 2013), и получивший немало наград на международных фестивалях «Два друга» (2014). Сейчас в фильмографии Натальи, как режиссера, уже пять анимационных фильмов, все они стали событиями в мире фестивальной анимации.
«Снежинка» – дебютная режиссерская работа Натальи Чернышевой. Яркая выразительная графика, сложные фактурные фоны делают этот фильм особенным. Фильм получил призы на более чем 20 международных фестивалях. В 2013 году Наталья стала Почетным президентом главного национального смотра российской анимации в Суздале, поскольку её фильм занял первое место в престижном профессиональном рейтинге, а также получил награду Александра Татарского, ежегодно вручаемую мэтрами российской анимации среди которых Юрий Норштейн и Андрей Хржановский.
Наталья Чернышева
”Снежинка”